Une petite machine en plastique bon marché qui crache des mantras hindous en appuyant sur un bouton peut être achetée à chaque coin de rue en Inde. Cependant, ils ne peuvent être trouvés utilisés musicalement que par le musicien de Cologne Keshav Purushotham alias Keshavara. Cela fait partie de la touche de fusion idiosyncrasique de Purushotham, avec laquelle il s’acquitte de son travail de manière indisciplinée.
Pour cela, il utilise des instruments indiens, parfois aussi du matériel de dub, des microphones inhabituels et d’autres malices techniques et transforme le tout en un style pop éclectique vigoureux, râpeux, charmant et varié.
En tant que fils du percussionniste de jazz indien Ramesh Shotham, arrivé en Allemagne de Chennai (alors Madras) au début des années 1980 – après des échanges musicaux intensifs avec le groupe munichois Krautrock, jazz et musique du monde Embryo – et qui a depuis introduit le son du riche inventaire de tambours traditionnels indiens aux oreilles européennes inclinées, Keshavara traverse également les genres et d’autres frontières. Son son débarque dans l’Interzone, dans un no man’s land entre chill funk, psychédéliques et instrumentaux hip-hop.
Keshavara s’élève contre la sur-marketing de ses propres origines avec perméabilité, incohérence maîtrisée et éclectisme.
Les instruments indiens de Keshavara portent des noms illustres. La « Shruti Box » est un harmonium analogique spécialement développé pour produire des sons de drone. Ils jouent un rôle important dans la musique traditionnelle indienne.
Bollywood et Kollywood
En Inde, l’harmonium remplace le tanpura, généralement confondu avec le sitar. À Keshavara, elle est responsable d’un obscur « mur du son Bollywood ». Pas tout à fait vrai, car Keshavara fait moins référence à Bollywood qu’aux films des studios Kollywood de la ville de Chennai.
Purushotham a regardé ces films lorsqu’il était enfant avec sa cousine Sahana Naresh, qui est à nouveau chanteuse invitée sur le nouvel album « Moondram Sevi ». Une ambiance familiale qui ne s’arrête pas au cousin, mais s’étend plus loin, car Purushotham a depuis longtemps fait de Keshavara son affaire.
Outre le batteur Niklas Schneider, le bassiste Christopher Martin et le spécialiste des synthétiseurs Benedikt Filleböck, cela comprend également un cercle d’amis proches qui contribuent au produit pop complexe Keshavara dans divers domaines (montage vidéo, danse, graphisme).
Keshavara comme œuvre d’art totale
Le père Ramesh Shotham est également un habitué du bateau. Avec « Moondram Sevi », tous les acteurs reprennent là où s’est terminé l’album « III » : ils poussent Keshavara comme une œuvre d’art totale : avec des costumes dadaïstes-surréalistes et grotesques, une solidarité avec la tradition du vaudeville, des allusions aux cabinets de curiosités et à la cartomancie.
On pense souvent au film culte surréaliste d’Alejandro Jodorowsky « Montana Sacra » (1973). De cette manière, Keshavara protège également sa musique d’une trop grande politique identitaire et d’une commercialisation excessive de ses propres origines, qui pourraient rapidement dégénérer – pour le dire cyniquement – en un gadget exotique.
Les albums
Keshavara : «Moondram Sevi» (Papercup/Believe)
Charanjit Singh : « Dix Ragas sur un rythme disco » (Light in the Attic/Cargo)
Keshavara y répond avec élégance par une perméabilité, une incohérence et un éclectisme savamment contrôlés. Cela permet également d’utiliser un instrument comme l’omnicorde Suzuki, qui imite en fait le koto de cithare japonais et s’intègre donc parfaitement dans le cosmos sonore de Keshavara. Ce qui ne se répand que lentement dans le reste de l’Europe est apprécié depuis longtemps dans sa ville natale de Cologne : Keshavara recevra à juste titre le Prix de musique de la ville de Cologne en 2026.
L’« Occident » en Inde
Le musicien de session indien Charanjit Singh méritait également un prix. Exactement à l’opposé de Keshavara, il a amené à plusieurs reprises « l’Occident » en Inde sous forme de machines. Par exemple, le Transicord : un accordéon électronique du fabricant italien Farfisa, que Singh a utilisé de manière inattendue pour toutes les personnes impliquées.
Le Transicord était à l’origine une tentative de Farfisa de s’appuyer sur le succès retentissant de ses orgues (à domicile) commercialisés à l’échelle mondiale dans les années 1960. Ceux-ci faisaient alors partie de l’équipement de nombreux groupes de beat. Cependant, ni les groupes en Europe ni aux États-Unis n’attendaient un accordéon électrique.
Il a fallu la curiosité du musicien indien Singh de la métropole de Mumbai (à l’époque Bombay) pour reconnaître le potentiel révolutionnaire de l’accordéon : le Transicord n’a en aucun cas été développé pour la musique traditionnelle indienne et pourtant il a été conçu sur mesure pour ses besoins stylistiques.
Première raison : libéré du pompage manuel intense de l’accordéon analogique, le Transicord a permis de jouer facilement, efficacement et, surtout, pendant longtemps, les sons de drone caractéristiques de la musique indienne.
Vibrato, Multi-Tone Boost et Reverb
Deuxième raison : côté aigus – celui du clavier – un deuxième niveau sonore pouvait être manipulé et adapté aux exigences de la musique indienne grâce aux effets intégrés Vibrato, Multi-Tone Boost et Reverb, comprenant neuf registres différents.
Enfin, contrairement à son homologue européenne caractérisée par les harmonies, la musique traditionnelle indienne célèbre la note individuelle. En Inde, le phrasé, les ornements comme les glissandi ou le vibrato et le rapport entre les tons successifs jouent le rôle principal.
Charanjit Singh a ensuite joué du Transicord sur les bandes originales de certains classiques du cinéma de Bollywood et s’est fait connaître dans l’industrie cinématographique indienne. Cela ne l’a pas rendu riche, mais cela l’a rendu suffisamment riche pour créer – avec l’aide de deux appareils dernier cri – un autre moment brillant complètement différent de l’histoire de la musique en 1982 : son album « Ten Ragas to a Disco Beat ».
Grâce au succès du Transicord, sa curiosité pour les développements innovants sur le marché international de la musique a été éveillée. Au début des années 1980, le fabricant d’instruments japonais Roland a lancé sur le marché la boîte à rythmes TR-808 et le synthétiseur de basse TB-303.
Singh les a obtenus et les a utilisés à ses fins – tout comme il le savait déjà grâce à son travail avec le Transicord : il utilisait le 303 pour les séquences de basse et les instructions de jeu des ragas indiens. Il les a programmés en conséquence et a largement utilisé la fonction slide, qui permettait aux tonalités successives de s’enchaîner les unes dans les autres.
Son homologue de batterie, le 808, a remplacé le tabla traditionnel, qui constitue par ailleurs l’élément percussif des ragas – et a également donné à l’objet un charme électro-boogie discoïde. Par conséquent, Singh a appelé son album « Synthesizing : Ten Ragas to a Disco Beat ».
D’un point de vue commercial, il est resté longtemps un échec, a même été oublié et n’aurait même pas eu le potentiel de devenir une note de bas de page dans l’histoire de la musique si le collectionneur de disques néerlandais Edo Bouman n’était pas tombé par hasard sur l’obscur album de Singh en 2001. En écoutant la musique, Bouman a rappelé le son acid house de Chicago à la fin des années 80. Lorsqu’une réédition initiée par Bouman a finalement trouvé sa place dans les disquaires locaux en 2010, il y a eu une réaction enthousiaste en Occident. Chez lui en Inde, Singh a accompagné la nouvelle édition et l’excitation avec un mélange d’amusement et de flatterie, comme l’a récemment déclaré son manager sur YouTube. Malheureusement, l’artiste décédé en 2015 ne verra plus le nouvel opus du label américain Light in the Attic. Mais sa musique sonne mieux aujourd’hui que jamais.